Aquarellissime

Peindre avec les trois primaires (suite)

Dans la note précédente, je vous ai vanté les avantages matériels qui existent à travailler avec les 3 couleurs primaires; aujourd'hui, je vais aborder la manière de s'organiser techniquement avec ces 3 couleurs!

Voici, au préalable, pour illustrer mon propos, une aquarelle réalisée de cette manière en stage, d'après une photo du marais poitevin proposée par notre maîtresse de stage Isabelle FOURNIER-PERDRIX:

Pour commencer, je vais emprunter à Jean-Louis MORELLE son triangle des couleurs que j'utilise moi-même et dont j'ai déjà parlé dans une note précédente!

Pour comprendre son fonctionnement,  je vous propose un exercice pour lequel vous pourrez utiliser comme palette un grand carré de 30x30 cm (plexiglas ou carrelage) de couleur blanche, ou bien carrément une feuille de papier aquarelle (là on obtient un rendu exact des couleurs).

1. Les bichromes

1. Sur votre palette, placez les 3 couleurs primaires aux 3 sommets d'un triangle imaginaire: jaune winsor en haut, bleu winsor nuance verte à gauche et rose permanent winsor à droite!

2. Diluez ces 3 couleurs primaires avec un peu d'eau de façon à obtenir une consistance crémeuse pour chacune d'elles: attention, utilisez de l'eau propre et un pinceau pour chaque couleur.

3. Vous allez maintenant réaliser le premier côté, à gauche du triangle en mêlant les 2 primaires  qui se trouvent à chaque bout (bleu et jaune). On part du jaune, au sommet du triangle, dans lequel on met de plus en plus de bleu, au fur et à mesure que l'on descend vers la gauche. Attention, pour ne pas salir les primaires de base, utiliser un pinceau différent pour le mélange et le laver à chaque nouvelle tache.... On obtient ainsi une gradation de verts, d'abord à dominante jaune, puis de plus en plus bleue, celui du milieu étant, en principe, le résultat d'un mélange à proportions à peu près égales.

Je n'ai fait, ci-contre, pour les besoins de la photo, que 5 verts différents mais les possibilités sont quasi infinies, en fonction de la quantité de bleu que vous injectez dans votre jaune (toujours procéder dans ce sens).

4. Réalisez la même chose pour le côté droit du triangle, en injectant, cette fois, dans votre jaune primaire de plus en plus de rose permanent (Winsor) au fur et à mesure que vous descendez vers la droite. La propreté de l'eau et des pinceaux est, je le répète, très importante pour obtenir des nuances bichromes bien pures

5. La base du triangle est obtenue en ajoutant, dans le rouge permanent, de plus en plus de bleu au fur et à mesure que l'on va vers la gauche..... eau propre, pinceaux propres, couleurs propres !

On a donc, au terme de ces manipulations, obtenu un certain nombre de couleurs bichromes pures et bien transparentes. Les possibilités sont, en réalité, beaucoup plus nombreuses, vous devez l'imaginer, et si vous en doutez, la réalisation de cet exercice sera pour vous une révélation!

5. Ce n'est pas terminé: cette disposition en triangle fait également apparaître un élément très important en peinture: les complémentaires.  Sur l'image 5, j'ai tracé les 3 médianes du triangle: les couleurs qui se trouvent aux 2 extrémités de ces médianes sont dites complémentaires et la mémorisation visuelle du triangle permet de s'en souvenir facilement !

Le noir profond se trouve au point de croisement de ces 3 médianes !

2. Les trichromes ou comment assombrir une couleur

Vous allez poursuivre l'exercice en choisissant l'une de ces 3 médianes: j'ai choisi, pour ma part, celle qui va du jaune primaire au violet car c'est la plus étonnante !

Pour assombrir (ou "casser") une couleur, on utilise sa complémentaire: ce qui signifie, pour le cas que j'ai choisi, que pour assombrir le jaune, on utilisera du violet (mélange à parts égales de rouge primaire et de bleu primaire) et pour assombrir ce même violet on utilisera du jaune primaire.....étonnant, non ? Et c'est la même chose pour les autres médianes!

Voici donc le résultat de l'assombrissement de mon jaune primaire par sa complémentaire bichrome violet: avant d'arriver au noir profond , on peut obtenir de beaux gris , de nuance chaude, très purs et très transparents puisqu'ils ne comportent que 3 pigments.

Essayez de réaliser l'autre moitié de la médiane ( jusqu'au noir profond) en assombrissant votre violet  issu du mélange à parts égales de rouge primaire et de bleu primaire avec le jaune winsor primaire: vous serez très surpris !!!!

Vous pouvez également explorer les deux autres médianes dans un sens et dans l'autre et l'assombrissement des couleurs n'aura plus de secrets pour vous !

Les possibilités de couleurs sont quasi infinies et on peut encore jouer sur leurs valeurs en mettant plus ou moins d'eau dans les pigments!

Si vous souhaitez aller plus loin dans votre découverte de la couleur, je ne saurais trop vous conseiller la lecture de "L'eau créatrice", ouvrage de Jean-Louis Morelle ou celle du dernier numéro "spécial aquarelle" de la revue Pratique des Arts, où il nous dévoile, en 10 leçons, les mystères de la couleur.

Peindre avec les 3 primaires

La spécificité de ce médium merveilleux qu'est l'aquarelle est, sans conteste, la transparence et la luminosité.

Pourtant, beaucoup d'aquarellistes débutants se plaignent de ne pas réussir à obtenir, dans leurs oeuvres, des couleurs éclatantes et transparentes! L'origine de ce problème peut être l'emploi d'un papier très absorbant ou une mauvaise maîtrise des gestes techniques, mais, souvent, ce sont les couleurs employées qui sont les coupables!

En effet, parmi les couleurs qui sont vendues en godets ou en tubes, certaines sont opaques (c'est écrit sur l'emballage) comme, par exemple, les cadmium: on les utilise en aquarelle mais pour des interventions bien particulières. D'autres sont déjà le résultat du mélange de plusieurs pigments et bien souvent, on les assemble encore entre elles pour créer de nouvelles nuances, détériorant ainsi leur transparence et leur luminosité!

Or, en aquarelle, moins les mélanges comportent de pigments, et plus la couleur a des chances d'être transparente! Il est préférable de ne jamais mélanger plus de 3 pigments à la fois pour garder aux couleurs leur éclat et leur transparence.

Au cours de mon dernier stage, j'ai expérimenté avec Isabelle FOURNIER-PERDRIX  la peinture à partir des 3 couleurs primaires et je dois dire que cette manière de travailler comporte de nombreux avantages: dans cette note, je parlerai des avantages matériels, et dans la prochaine j'aborderai les avantages liés à la technique de l'aquarelle.

1. Avantages matériels

• Le premier est de taille puisqu'il concerne le prix !

Comme vous le savez sûrement déjà, les couleurs primaires sont au nombre de 3: rouge, bleu et jaune.

Depuis le début de cette année, la marque Winsor & Newton commercialise, en extra-fine, des tubes de 37 ml dont le prix va de 15 à 19 euros, en fonction des couleurs.... le prix des tubes classiques de 5ml oscillant entre 3 et 5 euros, je vous laisse faire le calcul proportionnel et considérer ainsi le gain réalisé !!!

Dans cette marque, les noms des 3 couleurs primaires sont: jaune Winsor, rose permanent et bleu Winsor nuance verte. Compte-tenu du fait que vous fabriquerez toutes les autres couleurs à partir de ces 3 là, l'achat de tubes de grande contenance vous fera faire de sérieuses économies!

• Le second avantage concerne l'encombrement :

Exit les boîtes pleines de tubes dans lesquelles on ne trouve jamais ce que l'on veut parce qu'on en a acheté beaucoup trop et qui alourdissent les bagages à l'extérieur !!! Juste 3 petits tubes, une palette blanche (ou une feuille de papier aquarelle) pour faire les mélanges et le tour est joué !

• Le troisième avantage est lié à la simplicité de l'achat :

Plus besoin de se casser la tête pour trouver le vert du professeur,  le bleu du pas à pas du magazine ou le rouge merveilleux déniché par la meilleure copine: juste 3 couleurs, toujours les mêmes (pas de tentations inutiles!!!!! lollll) pour pouvoir fabriquer exactement celle que vous aurez choisi de mettre sur votre aquarelle, la plus pure et la plus lumineuse possible !

Pour l'instant, cette gamme de très gros tubes n'est pas disponible chez tous les fournisseurs mais je suppose qu'ils peuvent tous les commander!  Sur le net, je les ai trouvés chez SCHLEIPER, fournisseur belge, le géant GERSTAECKER  ne proposant, en ligne, que des tubes de 14 ml.

Dans la prochaine note, vous découvrirez comment peut s'organiser, techniquement, l'utilisation de ces trois couleurs primaires et quels avantages apporte cette manière de travailler à la pratique de l'aquarelle.

Rehauts à la plume

J'ai déjà exposé, sur ce blog, la technique qui consiste à rehausser une aquarelle avec des traits réalisés à priori ou à postériori, au calame et à l'encre acrylique....

Cette technique s'accorde très bien, à mon avis, aux sujets un peu "rustiques" comme les vieilles portes ou les maisons anciennes par exemple car le calame trace des lignes assez épaisses et irrégulières !

Ces jours-ci, j'ai eu besoin d'un tracé un peu plus fin et plus précis pour une aquarelle que je trouvais assez fade et à laquelle je souhaitais donner un peu de caractère ....

Cette aquarelle a été réalisée sur commande, d'après une photo de la cliente.... j'en ai réinterprété les couleurs (assez uniformes sur la photo) et ajouté un peu de caractère en utilisant une plume et de l'aquarelle diluée très riche en pigments .

Si vous souhaitez souligner à la plume votre dessin AVANT de réaliser l'aquarelle, il faut utiliser une encre acrylique non soluble à l'eau, comme celle qui se trouve sur l'image ci-dessus.

La plume que j'utilise est une plume à calligraphie qui comporte un petit creux sur le dessus,  qui sert de réservoir.  Si je travaille à l'aquarelle je l'enduis de pigments bien liquides mais bien concentrés , avec un pinceau (en emplissant bien ce petit réservoir) et je peux ainsi réaliser un tracé assez précis !

Sur l'aquarelle ci-dessus, j'ai ainsi réhaussé les montants de la porte du premier plan, le lierre et certaines tuiles.... un autre travail que ce que je fais d'habitude mais c'est assez fascinant de voir comment ces quelques rehauts ont totalement changé l'ambiance de l'aquarelle et, dans ce cas précis, quelle amélioration ils lui ont apportée !

Devinette....

Cherchant un pas à pas pas trop difficile pour ma nouvelle élève, j'ai jeté mon dévolu sur un film proposé à nos pinceaux par Maryse DE MAY (eh oui, encore elle !!!) dans son excellent ouvrage "Peindre avec ses sentiments".

Ce pas à pas représente un personnage sous la pluie, qui semble marcher à pas pressés.

L'effet "pluie qui tombe" est rendu par un fondu , exercice dont la technique de réalisation a déjà été expliquée sur ce blog. Ce fondu-ci est directionnel,  oblique, pour être plus précise: il suffit donc, pour l'obtenir, de pencher la feuille du côté où l'on désire que l'eau coule en emportant avec elle les pigments.

Personnellement, j'ai voulu, pour apporter ma touche personnelle à ce pas à pas, ajouter un effet "gouttes", un peu façon "neige fondue" et voici ce que ça a donné:

Maintenant, à vous de faire fonctionner vos méninges !!!

A votre avis, comment m'y suis-je prise pour réaliser cet effet ?

J'attends vos réponses dans les commentaires !

Et rendez-vous dans la prochaine note pour connaître la solution !

Faire fuser la couleur: un geste basique en aquarelle

Depuis le mois de Septembre dernier, une fois pas semaine, j'initie à l'aquarelle ma soeur aînée qui profite de sa retraite toute neuve pour se lancer dans la peinture;

Lundi dernier, elle avait choisi comme modèle un tableau de Shirle BEDIENT représentant des iris,  un modèle qui s'est avéré un peu difficile pour une débutante, comme vous pourrez en juger par vous même en regardant la version que j'en ai réalisée :

Cette expérience m'a permis de réaliser une chose importante: certains gestes, basiques en aquarelle, qui maintenant me semblent très faciles sont, en réalité, extrêmement complexes et pourtant fondamentaux si on veut avancer dans cette technique picturale.

Il en va ainsi, par exemple pour le geste qui consiste à faire fuser la couleur sur papier sec pour obtenir un fondu, comme ici sur les pétales des fleurs.

Tout est une question de dosage de l'eau sur le papier, chose que l'on ne maîtrise pas du tout lorsqu'on est débutant ! 

Ce qu'il faut bien comprendre, en aquarelle, c'est que lorsque 2 surfaces se rejoignent, les pigments colorés migrent toujours de la zone la plus humide vers la zone la moins humide.

Les choses se passent donc en 3 temps et il faut se munir d'un second pinceau, a demi mouillé d'eau pure pour réaliser ce fondu.

1. Avec mon premier pinceau chargé de pigments assez concentrés et liquides, je pose une touche d'aquarelle sur le papier sec, puis, avec le second pinceau à demi mouillé d'eau pure, j'ouvre une zone humide à distance de ma tache pigmentée. Attention, cette zone doit être moins humide que la zone colorée!

2. J'avance la pointe de mon second pinceau chargé d'eau pure pour la mettre doucement en contact avec la tache colorée et venir ainsi chercher les pigments et solliciter leur déplacement.

3. Si j'ai bien dosé l'eau pure sur mon pinceau, la magie de l'aquarelle opère et les pigments fusent dans la zone humide que j'ai ouverte avec cette eau pure ! N'y touchez surtout pas....laissez l'eau faire son travail et admirez le spectacle  !!! Personnellement, je ne m'en lasse pas et c'est vraiment ce qui me plaît dans l'aquarelle !

Si vous avez mis trop d'eau pure, il se produit l'effet inverse: les pigments sont repoussés et l'eau forme parfois une auréole festonnée: c'est ce qui s'est produit pour le fond de l'aquarelle ci-dessus, dans le coin en haut à gauche !

Alors, tous à vos pinceaux: ce geste est, à mon avis, très important en aquarelle et il faut apprendre à le réussir à tous les coups !

Corriger une aquarelle

Comme vous avez pu le constater, je ne suis pas satisfaite de mon aquarelle des falaises de Criel sur mer, surtout en ce qui concerne la réalisation du ciel et de la mer !

Voici donc une excellente occasion de vous montrer quelques trucs utiles pour corriger un tableau, si tant est que ce soit possible !!!

Tout d'abord 2 points importants:

1. Le regard de l'autre

Il est indispensable pour prendre conscience des erreurs commises: en effet, si vous avez passé quelques heures sur une aquarelle, il vous sera extrêmement difficile d'y voir ce qui ne va pas, à moins de la cacher définitivement, pendant un laps de temps assez long, pour pouvoir la redécouvrir avec un oeil extérieur et nouveau. Le regard des autres.... aquarellistes si possible..... est donc nécessaire pour identifier les erreurs commises dans votre travail !

2. La qualité du papier

Certains papiers ne permettent que peu, voire pas du tout de corrections: ce sont les papiers très absorbants, comme le papier ARCHES par exemple .... personnellement, je ne les conseille pas aux débutants car vous aurez beaucoup de mal à y effectuer certaines des manipulations dont je vais parler ci-dessous. Le choix du papier est donc important si l'on veut pouvoir intervenir pour rectifier une aquarelle !

Voici donc ma version des falaises de Criel et sa correction dont je vais ensuite détailler point par point les changements:

On voit bien les changements apportés, sur les conseils avisés des membres du forum Aquarellissime, toujours généreux et à l'écoute....

Le ciel:

J'ai repris les zones de nuages, trop uniformes à mon goût, avec un gris de Payne très dilué en laissant des espaces qui laissent entrevoir le premier lavis. Cette intervention donne plus de caractère à un ciel précédemment très neutre. En outre, en descendant plus bas, la jonction se fait mieux avec la mer  !

La ligne d'horizon n'était pas droite: j'ai remédié à cela en traçant un trait de crayon bien horizontal avec la règle et en remettant des pigments là où il était nécessaire!

Puis, avec une petite brosse, de l'eau pure et du papier absorbant, j'ai dépigmenté la mer au bord de la falaise et en-dessous des terres visibles à l'horizon. Partout où les pigments précédents avaient trop marqué le papier, je les ai grattés avec une lame de rasoir.

Etape suivante, la falaise, que j'ai foncée avec une couleur chaude qui lui permette de ressortir d'avantage sur le bleu de la mer !

Dans la foulée, j'ai aussi repassé un lavis un peu plus vert sur la mer en fonçant le bord de la côte où sont visibles les rochers qui affleurent sous l'eau.

Si ces changements améliorent quelque peu l'ensemble, ils ne font pas de miracle et ne peuvent, en aucun cas, donner à cette aquarelle ce qui, à mon avis, lui manque: une ambiance, une atmosphère que le choix de couleurs, trop proches de la réalité, ne lui permet pas de restituer!

Pour cela, il faudra que je la refasse entièrement ! Alors, souhaitez-moi bon courage !!!! lolll

Le sel

En ces temps presque hivernaux où la neige a refait son apparition dans nos montagnes, l'aquarelliste est souvent pris d'une envie irrésistible de peindre des paysages givrés et enneigés ....

Je n'échappe donc pas à cette tendance générale et j'ai, pour cette occasion, expérimenté une technique nouvelle: la technique du sel.

Cette aquarelle, réalisée d'après une oeuvre de Maryse DE MAY que l'on peut admirer dans son livre "Peindre avec ses sentiments" illustre à merveille l'effet un peu féérique et magique apporté par le sel que l'on dépose sur un fondu encore humide.

Il s'agissait ici de rendre l'atmosphère si particulière d'un ciel étoilé en hiver: les cristaux volumineux du gros sel de Guérande, éparpillés avec parcimonie sur la peinture humide ont absorbé cette dernière en révélant le blanc du papier sous forme d'étoiles caractéristiques et du plus bel effet.

Le sel de table ordinaire donne une texture fine qui convient mieux aux effets de matière (écorce des arbres, roches et batiments par ex).

Le choix du papier et de la couleur utilisée sont aussi très importants dans la mise en oeuvre de cette technique:

1. les papiers à grain fin, moins absorbants que les papiers à grain torchon permettent au sel de mieux agir.
2. les pigments à faible pouvoir colorant conviennent eux aussi mieux à l'emploi de cette technique: évitez par exemple l'alizarine cramoisie et le vert émeraude !

Il existe de nombreuses sortes de sels comme par ex le sel pour lave-vaisselle: expérimentez les tous, vous vous amuserez beaucoup !!!!

Le blanc du papier

En aquarelle, il est important de ne pas tout peindre, de laisser souvent apparaître le blanc du papier qui donne de la lumière au tableau.

J'ai d'ailleurs déjà écrit une note à ce sujet afin d'exposer les différentes techniques utilisées pour ce faire.

Je voudrais revenir aujourd'hui sur la gomme à masquer, produit bien utile pour laisser blanches des zones assez importantes et dont les contours doivent rester bien nets.

Voici un exemple:

Ici, les corolles des marguerites, leurs tiges ainsi que les quelques branches du bouquet on été recouvertes de gomme à masquer au coton tige et à l'allumette au tout début du travail.

J'ai ensuite mouillé abondamment le papier et réalisé, dans l'humide presque mat, un fondu qui n'aurait pas été possible sans la gomme à masquer!

Après séchage du fond, les fleurs ont été retravaillées, ainsi que les tiges et les branches.

Pour ce type de travail, le choix du papier a son importance puisque tous les papiers n'ont pas la même qualité de blanc: pour ma part, j'affectionne particulièrement le papier Cornwall de chez HAHNEMUHLE  450g qui permet de faire des blancs très éclatants qui donnent beaucoup de lumière au tableau !

Peindre en négatif

Voici l'une de mes dernières créations dont, pour une fois, je suis assez fière, pour 2 raisons !

La première est que j'ai travaillé d'après une photo dont j'ai réalisé une interprétation tout à fait personnelle: Luc JOLY, notre professeur, nous a montré quelques points techniques la manière de peindre en négatif par exemple, mais il nous a laissées nous dépatouiller avec le reste !!!

La seconde raison est que la lumière de cette aquarelle est particulièrement belle ce qui me permet, une fois n'est pas coutume, de dire qu'elle est réussie !!!!

Tout le centre et la partie gauche de cette aquarelle ont été réalisés en technique mouillée, soit sur papier sec en ouvrant des zones humides pour faire fuser la couleur (ombres des pots), soit sur papier humide (fleurs et feuillages) avec quelques détails (tiges) en technique sèche pour donner du relief et de la profondeur.

L'effet de lumière est accentué par l'importance des zones de papier que j'ai laissées totalement vierges et par le fait que j'ai utilisé un papier très blanc (Cornwall de HAHNEMÜHLE 450 gr).

Ce détail du tableau est intéressant car il révèle la technique que nous avons apprise à cette occasion pour arriver à rendre les joints du carrelage mural et les fleurs qui s'y détachent sans utiliser de gomme à masquer.

Avec un mélange de gris de payne et de bleu outremer français (Winsor & Newton, très liquide et très chargé en pigment, j'ai peint l'intérieur des carreaux du mur ainsi que les endroits où ils apparaissent entre les tiges et les fleurs des plantes en laissant beaucoup de blanc pour les joints du carrelage, les reflets de lumière et les plantes.

Une fois le tout bien sec, il ne me restait plus qu'à remplir tous ces blancs avec le feuillage, les fleurs, le crochet du pot .

En fait, on peint d'abord le contour (ici, le bleu du mur)  du sujet que l'on souhaite réaliser avant de peindre l'intérieur de ce sujet (ici, les plantes).

On utilise très souvent cette technique, en aquarelle, pour suggérer une forme grâce à son contour.

Elle permet de donner du relief à un tableau et de conserver des blancs nécessaires au rendu des effets de lumière. Elle permet aussi les effets de silhouettes qui donnent beaucoup de profondeur à une aquarelle.

Peindre au pinceau plat

Voici, comme promis dans la note précédente, quelques explications supplémentaires quant à la manière de réaliser un tableau à l'aquarelle avec des pinceaux plats.

Ce tableau, dont vous avez pu voir la photographie dans la note précédente, a été réalisé sur papier Cornwall de chez HAHNEMÜHLE 450g/m², papier très épais qui convient parfaitement pour le travail dans le mouillé car il se déforme assez peu et reprend très vite sa forme au séchage.

ETAPE 1 : humidification du papier

Mouiller abondamment le support avec de l'eau claire et le pinceau plat (ou spalter) de 4cm. Il ne faut pas hésiter à passer 3 ou 4 couches d'eau en uniformisant bien leur répartition sur tout le support. Le papier doit être bien brillant et il faut attendre environ 5 minutes avant de commencer à peindre pour que cette humidité pénètre bien le papier.

ETAPE 2 : le fond

Pour ce tableau, aucun dessin préalable  !

Les différents éléments qui composent le fond vont être réalisés selon un tempo directement adapté à l'évolution de l'humidité du papier,  le but de la manoeuvre étant de suggérer les tiges et les feuilles de l'arrière-plan d'un bouquet.

tempo 1 (1ère image ):  Dans l'humide brillant, avec le spalter 4cm chargé de pigments bien crémeux (couleurs de votre choix: ici, j'ai utilisé vert olive, bleu outremer, marron de pérylène, jaune indien Winsor & Newton) , appliquer la couleur en gestes larges de bas en haut en fonction de la forme que vous souhaitez donner à votre bouquet. On travaille avec la tranche mince du pinceau que l'on peut poser à certains endroits et tirer vers la droite ou la gauche pour élargir la trace (suggestion de feuilles).

tempo 2 (2e image):  Quand l'humide est devenu mat, avec le même pinceau bien rincé et légèrement essoré, toujours utilisé sur la tranche et de bas en haut, tracer quelques lignes très fines: l'eau claire, présente dans les poils du pinceau, repousse les pigments en surface et ouvre des blancs longs et fins qui donnent du relief à votre fond.

Bien sécher le tout !

ETAPE 3 : les fleurs

La manière de les réaliser est très ludique et le pinceau utilisé est toujours le même (pinceau plat 4cm).

Trois couleurs sont nécessaires, au choix du peintre et en harmonie avec le fond: ici, j'ai utilisé jaune indien, alizarine cramoisie pour les pétales et gris de payne+ sépia pour le reste.

Pour réaliser les pétales, j'ai trempé la moitié des poils de mon pinceau dans le jaune indien et l'autre moitié dans l'alizarine, de façon à appliquer les 2 couleurs avec le même geste.

La tranche du pinceau posée à la verticale sur le papier bien sec  (couleur plus foncée plutôt vers le bas de la fleur), on opère, avec les poils, un mouvement circulaire dont le centre est le coin inférieur du pinceau. Plus le mouvement est large, plus la fleur sera grosse!

Puis, tout de suite dans le mouillé, avec un mélange de sépia et gris de payne bien crémeux, on réalise la gaine de la fleur et la tige en utilisant toujours la tranche du pinceau qui, posée sur le papier, réalise de très belles empreintes fines et droites qui suggèrent à merveille la tige doite et ligneuse de la rose.

Pour la gaine de la fleur, on peut utiliser le pinceau plat de 2cm, surtout si la fleur est plutôt petite.

ETAPE 4 : rééquilibrage final du tableau

Le moment est venu de se reculer pour voir ce qui, dans le tableau, a besoin d'être ajouté pour rééquilibrer les volumes!

En ce qui me concerne, toujours avec le pinceau plat 4cm, j'ai ajouté quelques empreintes de tiges et quelques formes de roseaux destinées à équilibrer le bouquet (équilibrage un peu loupé, d'ailleurs!!!!! lolll).

On utilise toujours la fine ligne de 4 cm constituée par le bout des poils du pinceau (c'est ce que j'appelle la tranche): il suffit de la poser sur le papier  verticalement pour obtenir des lignes colorées assez fines et si on tire un peu le pinceau vers la droite, l'empreinte s'élargit pour former la fleur de roseau: très ludique et très facile surtout !

Le maniement du pinceau plat est un peu surprenant au départ, car il donne l'impression de manquer de précision: en fait, il n'en est rien et un peu de pratique permet de réaliser des choses assez fines dont le tracé a une originalité et un caractère très particuliers;

Beaucoup d'aquarellistes contemporains n'utilisent que cet outil et certains, comme Ron RANSON et Roland PALMAERTS proposent des supports vidéo pour apprendre à l'utiliser au mieux !